Paisajista y retratista de la escuela clásica mexicana, sin embargo Armando  García  Nuñez se consideraba a sí mismo como un impresionista. Estudió en la Academia de San Carlos y fue discípulo de German Gedoviuis. En 1991 hizo su primera exposición a la cual acudió Francisco León de la Barca, presidente de México, quien le concedió una pensión para estudiar en España. García Nuñez trabajó en el Museo del Prado donde pintó  copias de los grandes maestros españoles. La Academia de San Carlos y el Museo Nacional de Arte tienen  cuadros de García  Nuñez en su colección. 

Feliciano  Peña se volvió famoso  famoso por sus paisajes, retratos y bodegones. Realizó una exposición colectiva con Frida Kahlo, Alfredo Zalce, Juan Soriano, Juan O’Gorman y Carlos Mérida. Asimismo, para la inauguración del Salón de la Plástica Mexicana, Feliciano Peña expuso su obra de manera individual. Una sala del Museo de Historia de Guanajuato lleva su nombre en honor a su trayectoria artística.

Carlos Rivera fue un paisajista, retratista y dibujante veracruzano. En 1868, a los doce años de edad, Carlos Rivera entra a la antigua Academia de San Carlos, donde con Cleofás Almanza, fue instruido en paisajismo por Jose María Velasco y en el retrato por Peregrin Clave. Rivera se especializó en la pintura de espacios abiertos y pintura bíblica. El más completo acervo de pinturas de Ribera se encuentra en el Museo de Arte Veracruzano en la ciudad de Xalapa, aunque también hay piezas de él en el Museo Nacional de Arte y el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. 

Pintor mexicano de padre japonés, Luis Nishizawa es reconocido como uno de los grandes paisajistas mexicanos de este siglo XX. Inició sus estudios en 1942 en la Academia de San Carlos donde trabajó como asistente de Chavez Morado y Alfredo Zalce. Su obra abarca una vasta variedad de técnicas como la pintura, el dibujo, la cerámica, la escultura y el muralismo. Nishizawa es también conocido como escritor y promotor de la cultura en México. En 1996 le fue otorgado  el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la modalidad de Bellas Artes. Desde 1992 la casa-estudio donde él vivió se convirtió en un taller que lleva su nombre como homenaje a su vasta creación artística y carrera.

Ramiro Martínez Plasencia cursó estudios de arquitectura en la facultad de arquitectura en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, y posteriormente estudió artes visuales en la Academia de San Carlos del Instituto Nacional de Bellas Artes en la ciudad de México. Ha tenido 14 exposiciones individuales y múltiples exposiciones colectivas. Ha recibido diversas distinciones entre las que destacan el 1er premio en el Salón de Noviembre de Arte A.C. (2001 y 2006), 2° lugar en el Premio Bernardo Elosua, Arte A.C. (2005) y menciones honoríficas en la III Bienal Monterrey Femsa (1997), la Bienal Diego Rivera (1996) y el Concurso Johnny Walker (1997) en el Museo de Arte Moderno.

Exalumno de la Academia de San Carlos, Telesforo Herrera, se caracteriza por su amplia temática. Entre sus obras podemos encontrar  desde paisajes y retratos hasta naturalezas, muertas y  desnudos eróticos. Asimismo, Herrera estaba obsesionado con temas apocalípticos como  la muerte, y la miseria.  La obra de Telesforo estaba influenciada por el muralista Jose Clemente Orozco. “Me considero heredero de la pintura “Orozquiana”,  no de Diego, no de Siqueiros… Orozco es el pintor de la tragedia y yo dentro de esa línea me muevo” 

Uno puede encontrar tanto  obras de caballete como Murales de Telesforo Herrera en la Fonda Hipocampo en la Ciudad de México. 

Mateo Herrera fue un Pintor guanajuatense alumno de Félix Parra y Jose Maria Velasco. Su obra está profundamente influida por el realismo y la academia.  Entre sus géneros más comunes  se encuentran la figura humana, paisajes y los bodegones. En 1905 ganó una beca para estudiar en Madrid donde analizó la obra de los grandes maestros españoles. Herrera fue alumno  de la Academia de San Carlos donde también impartió clases de acuarela, llegando a ser director de la misma institución.Mateo Herrera también fungió como Conseravdor del Museo Nacional de Historia. Adicionalmente, la sala de conciertos del Forum Cultural de Guanajuato lleva su nombre en honor a su trayectoria artística.

La obra de Julio Ruelas se puede dividir en dos facetas. La primera es como dibujante académico y la segunda como ilustrador con matices surrealistas. Siendo mejor conocido por la  segunda.  Unos de los temas más recurrentes en la obra de Julio Ruelas son los conflictos internos del ser humano como la religiosidad, la sexualidad y la muerte. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y la Academia Karlsruhe en Alemania. Fue de los primeros ilustradores de la “Revista Moderna” donde fungió como ilustrador para poetas de la talla de Amado Nervo. Murió en París y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Dibujante, escultor y pintor nacido en Guadalajara, Juan Soriano visitaba continuamente la casa de Chucho Reyes a muy temprana edad, lugar donde conoció a Luis Barragan y Roberto Montenegro. El premio Nobel de Literatura mexicano  Octavio Paz le dedicó un ensayo llamado “Los rostros de Juan Soriano” donde describe su obra como “afortunada fusión de las tres potencias del arte: la tradición. La fantasía y la imaginación”. También escribieron sobre la obra Juan Soriano intelectuales mexicanos de la talla de Elena Poniatowska  y Carlos Monsiváis. En 1993 presentó la obra escultórica monumental “La Luna ” en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. En 1977 el Museo Nacional Centro de Artes Reina Sofía en Madrid presentó una exposición retrospectiva de su obra. ​

Abogado, activista político y pintor, Joaquín clausell es considerado como el pionero del impresionismo en México. Joaquin Clausell  fue representante popular de oposición y preso político durante el régimen de Porfirio Díaz (1876-1910). De formación artística autodidacta, Clausell  quedó maravillado por el impresionismo al asistir a una exposición de arte en París en 1896. Así mismo, su amigo el maestro Gerardo Murillo “Dr Atl” lo alentó para seguir su vocación como  artista. Joaquin Clausell  frecuentemente no firmaba sus obras y las regaba sin aceptar nada a cambio. Así mismo el hacía sus propios bastidores y pintaba sobre cualquier superficie que encontraba desde maderas y cartones hasta las paredes. Gran parte de su obra se encuentra en el Museo de la Ciudad de México donde algún día se encontró su estudio.

José Antonio Gómez Rosas (1916-1977) José Antonio Gómez Rosas fue apodado “El Hotentote”. Nombre que  corresponde al  de una tribu africana de pigmeos. Sufijo  irónico,  ya que Gómez Rosas era un hombre corpulento de más de 1.90. Proveniente de una familia de artesanos, Gómez Rosas fue alumno y después maestro de la Escuela de Artes Plásticas de la Academia de San Carlos. Dicen quienes lo conocieron que era todo un personaje,  y que pasó a la historia por organizar y decorar los bailes de Bailes de Máscaras de la Escuela de Artes Plásticas de San Carlos a mediados del siglo pasado. Figura frecuente en la escena cultural mexicana de mediados del siglo XX, El Hotentote fue un artista prolífico ya que entre sus creaciones  se encuentran: máscaras, disfraces, telones, murales, alebrijes y obra de caballete. 

Miembro de la generación de la “ruptura” en el arte mexicano, Vicente Rojo estudio en la Escuela Nacional de Arte, Pintura y Escultura “La Esmeralda” bajo la tutela de Raúl Anguiano. En 1991, se le otorgó el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Bellas Artes. Entre sus obras públicas más destacadas se encuentra “País de Volcanes” en la Plaza Juárez en la Ciudad de México.  

Después del terremoto que sacudió la Ciudad de México el 19 de septiembre de 1985, varios artistas como Francisco Toledo, Helen Escobedo, Martha Chapa y Vicente Rojo crearon numerosos diseños de muñecas, de los más variados estilos, colores y materiales, para apoyar al Sindicato de Costureras.  Las costureras, quienes habían perdido su empleo después del sismo, confeccionaban las muñecas siguiendo los lineamientos de los diseños, para posteriormente venderlas y sobrevivir. Sin duda alguna, este es un ejemplo de que el arte y la creatividad es una fuente de liberación de dolor y angustia. Algunas de estas muñecas han sido expuestas en el Museo Carrillo Gil y Museo del Estanquillo en la Ciudad de México. 

 “Me acuerdo muy bien de la relación con las costureras, el gusto, la ilusión que les daba ver los proyectos. Yo les daba unos gouaches a color y ellas se daban el gusto de encontrar las telas que corresponderían a ese color, a esas imágenes. Eso me alegraba porque el diseño era mío o de los otros artistas, pero ellas ponían la parte más conmovedora” Vicente Rojo. 

Pedro Friedeberg es un artista diseñador mexicano nacido en Italia. Sus padres llegaron de Europa a México antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial. Su obra está llena de líneas, colores y símbolos místico-religiosos antiguos. En 1956 entra a estudiar la carrera de arquitectura donde conoce a Mathias Goeritz quien lo impulsó a seguir su pasión por las artes. Friedeberg está relacionado con artistas surrealistas mexicanos de la talla de Remedios Varo, Leonora Carrington, Alice Rahon y Gunther Gerzo. 

Pintor surrealista mexicano nacido en 1940 y fallecido en 2019

Pintor poblano, considerado uno de los primeros pintores mexicanos, especialista en reproducciones bélicas, es conocido por sus reproducciones de la famosa Batalla del Cinco de Mayo, la cual se llevó a cabo en su ciudad natal de Puebla 1862. Sus cuadros se encuentran en Museos de la talla del Castillo de Chapultepec de la Ciudad de México y el Museo de Historia en Monterrey, Nuevo León. 

Lo particularmente importante de dichas reproducciones es el hecho de que Patricio Ramos, siendo pintor de profesión, defendió su patria contra el ejército invasor francés como soldado, uniéndose a la causa. “Todo joven o adulto que pueda sostener una arma, y que pueda ayudar a combatir invasor debe unirse a la lucha… Voy a pintar un cuadro de la batalla y el episodio glorioso a donde me encontré juntamente con mis compañeros para manifestar la verdad de los hechos heroicos, a donde estaré y me verás y me verán todos mis verdaderos y buenos compatriotas vestidos de paisano con mi flus color de café, mi talin, mi cartuchera y mi fusil sin bayoneta, luchando y defendiendo el honor y el derecho de mi Patria“ Patricio Ramos y Ortega. Descripción de la batalla ganada al Ejército Francés en el cerro de Guadalupe de Puebla el día lunes 5 de mayo de 1862”.

 Más aún, el cuadro de en medio es considerado el documento histórico más importante de dicha batalla, ya que detalla sobre el lienzo los posicionamientos de las tropas en combate y donde se puede leer de puño y letra:

 “Habiendo  tomado  parte, fui testigo ocular de la batalla que tuve lugar el día lunes 5 de Mayo de 1862”. 

 Para más información, haga clic en cualquiera de las tres imágenes de arriba.

Alice Rahon fue una poeta y artista plástica nacionalizada mexicana que nació en Chencey-Buillon, Quingey, Francia, en 1904. A la edad de trece años, Alice sufre un accidente que marcó su vida artística de manera definitiva, ya que tuvo que pasar largos períodos en reposo y aislamiento con su cuerpo enyesado. Su carácter inquieto la llevó a practicar la escritura y la pintura durante su recuperación. “La Naturaleza me ha hecho vivir y sobrevivir. De  pequeña pasé tres años enyesada desde el cuello hasta los tobillos. Para que me distrajera me dejaban en el jardín durante mucho tiempo. Aprendí a conocer a los pájaros y los colores del día”. Otro lamentable suceso que marcó la vida de la joven Alice Rahon fue el hecho de quedar embarazada; sin embargo, su hijo nació con una malformación y murió al poco tiempo de haber nacido. 

En los años 30 ‘s Alice Rahon se relaciona en sus círculos bohemios parisinos, donde conoció al pintor Wolfgang Paalen cuando tenía 28 años de edad. En 1933, Wolfgang y Alice  visitaron las cuevas de Altamira en España guiados por el famoso artista catalan Joan Miró. Las imágenes sobre las piedras de aquellas cuevas conmocionaron a Rahon e influenciaron su producción artística. 

Wolfgang y Alice se casaron en el registro civil de Montparnasse. Durante su estancia en París la pareja se relacionó con los pintores surrealistas como Marx Ernst y Paul Edouard. También durante esa época Alice Rahon tiene una breve pero muy intensa relación extramarital con Pablo Picasso. Alice le dejó saber a su marido que le había sido infiel y que lo quería dejar. Paalen amenazó con quitarse la vida y Alice decidió acabar la relación con Picasso. 

En 1939 Alice conoció a Frida Kahlo en París, cuando la pintora mexicana fue invitada por Andre Brenton con el fin de exponer sus obras. Alice se sintió identificada con Frida ya que ambas tenían experiencias e intereses en común: su sensibilidad artística, el dolor físico y la maternidad frustrada. 

En 1940 Alice y Wolfgang viajan a la Ciudad de México y se instalan como huéspedes en la casa-estudio de Frida y su marido, el también célebre artista Diego Rivera. Es en  México donde Alice Rahon comienza su carrera pictórica. Alice Rahon y su marido estaban maravillados por la cultura mexicana y la calidez de su pueblo; sin embargo, ellos tuvieron el deseo de regresar a casa, pero el avance de la segunda guerra mundial les impidió volver a Francia. 

En 1944 Alice Rahon tuvo su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano y un año más tarde Alice tuvo exposiciones en California, Nueva York, Washington y París. Para esas fechas Alice Rahon se había relacionado con Rufino Tamayo, Octavio Paz y Carlos Mérida. Sin embargo, su relación más cercana fue con Remedios Varo y Leonora Carrington. La prensa mexicana y los críticos de arte de aquellos tiempos se referían a las tres como las musas del movimiento surrealista mexicano. 

A fines de los años cincuenta, Rahon decide rendir tributo a Frida Kahlo, dedicando una pintura titulada: La Balada de Frida Kahlo. Siendo esta su obra más renombrada. 

Sus exposiciones nacionales e internacionales continuaron a lo largo de las décadas de los cuarenta, cincuenta y sesenta.

En 1986 el Instituto Nacional de Bellas Artes celebró una exposición retrospectiva de la obra de Alice Rahon. Un año más tarde Alice Rahon murió en la Ciudad de México. En el 2009 se llevó a cabo  la exposición Alice Rahon, una surrealista en México (1939-1987) en el Museo de Arte Moderno.

Nacido en Jiménez, Chihuahua, en 1942, Benjamín Domínguez, quien actualmente reside en la Ciudad de México, ha dictado conferencias en las más distinguidas escuelas de arte y museos de México como: Museo Rufino Tamayo, Centro Cultural de Chihuahua, Centro Cultural de la Secretaría de Hacienda de México, la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Ciudad de México, entre otros. Ha expuesto en importantes museos y galerías de México, así como en Europa, Japón y Estados Unidos.

El enfoque de Benjamín Domínguez sobre sus temas abarca una amplia gama de técnicas: el uso audaz del color y la sencillez en el arte, el arte naif, la preocupación clásica por el detalle y la reinterpretación de la escuela de arte flamenca. Famoso por pintar obras que poseen cualidades de “más de lo que parece”, el simbolismo oculto de Domínguez a menudo representa de manera sublime un lado oscuro que fácilmente puede pasar desapercibido.

Domínguez es famoso por su uso de técnicas originales de pintura renacentista, que combina con la cultura contemporánea y la historia del arte. Él crea una mezcla fascinante y sorprendente de lujosos repujados de oro y lujosas telas que contrastan con nuestro mundo actual de tatuajes, motocicletas, mitos y magia.

 Arte en Embajadas, Departamento de Estado de los Estados Unidos.

En 1985 Benjamín Domínguez   realizó  20 variaciones de la  obra maestra del pintor flamenco Jan Van Eyck “El Matrimonio de Los Arnolfini” pintada en el año de 1434. Pieza que forma parte de la colección de la “National Gallery” de Londres.

Benjamín Domínguez  emprendió el enorme desafío de replicar las técnicas de óleo de  Van Eyck empleadas hace casi 600 años. 

Estas variaciones trasladan a la modernidad a la pareja conformada por Giovanni Arnolfini y su esposa Giovanna Cenami, alrededor de diversas situaciones cotidianas como: peleas, violencia, odio, sexo, erotismo y amor. 

Algunas de estas 20 obras de arte han sido expuestas en el Museo de Aguascalientes y La Sala Luis Nishizawa de la Escuela Nacional de Artes Plásticas.  

“sucede dentro de una habitación en la que una pareja se casa. Los 20 cuadros que pinté empiezan cuando el hombre y la mujer comienzan a amarse, a odiarse, a destruirse dentro de esa alcoba en una trama obsesiva formada por la infinidad de símbolos que los rodean” 

Únicamente las dos primeras piezas de abajo forman parte de mi colección. Mismas que nunca han sido expuestas al público

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El Retrato de los Arnolfini

El Matrimonio de los Arnolfini del pintor flamenco Jan van eyck, que forma parte de la colección National Gallery de Londres, no solo es una obra maestra universal, sino también una de las pinturas más analizadas de los siglos. A primera vista, esta obra representa un doble retrato. Sin embargo, cabe mencionar que esta pintura está llena de mensajes y simbolismos que han sido objeto de discusión y controversia.

Absolutamente, todos los elementos tienen uno o varios significados, sin embargo, uno de los puntos más interesantes es el hecho de que esta pintura también se considera un documento notarial, que da fe de las ceremonias nupciales de Giovanni di Nicolao de Arnolfini y su esposa Constanza Trenta.

Cabe mencionar que en el siglo XV no era necesario que las mujeres vistieran de blanco, ni la presencia de un sacerdote para casarse. Una ceremonia de boda no requería nada más que la voluntad de ambas partes.

Al observar el cuadro, se puede apreciar un espejo circular convexo al fondo de la sala y en el reflejo del mismo se aprecian dos siluetas que probablemente serían del pintor y algún acompañante. El hecho de que la boda haya sido presenciada por dos personas hace que la ceremonia sea incuestionable.

Aparte de la presencia testimonial de los compañeros reflejados en el espejo, esta obra adquiere un valor notarial aún más fuerte por el hecho de que el pintor ha firmado “Johannes van eyck fuit hic” que en latín significa Johannes van eyck, estuvo aquí, mismo ya que está inscrito abiertamente a la vista sobre el espejo, en el centro de la pintura, y no en la parte inferior del espejo, donde se acostumbra firmar.

Habiendo dicho esto, uno puede concluir que esta pintura no es solo una obra maestra, sino también un documento notarial.